Cuando uno estudia a la carrera de actuación, se la pasa años leyendo, practicando, haciendo ejercicios, preparando personajes, uno tras otro. Siempre o casi siempre, todo este trabajo está relacionado con el teatro. El espacio, la manera de moverse, el volumen de la voz, la distancia con el espectador, la relación con los técnicos, la manera de confrontar una obra, etc.
Eso está bien, porque el teatro es la base de la actuación.
¿Pero qué sucede cuando nos enfrentamos a una cámara?. Nos sentimos fuera de lugar. Todos esos técnicos, micrófonos, luces y aparatos nos desconcentran, nos estorban. La forma de grabar no tiene nada que ver con la cronología de la historia. El resultado es que no sabemos qué hacer.
Siempre me he preguntado por qué las escuelas “clásicas” (que son la mayoría) no preparan a los actores para que estén preparado para dos de las fuentes de trabajo más abundantes: el cine y la televisión. ¿De qué se trata? ¿Que el desempleo en esta carrera siga aumentando? ¿Que los que se paran por primera vez ante una cámara sean o parezcan unos improvisados, a pesar de que puedan ser grandes actores?
No, no es ninguna de las dos. Simplemente se tiene la mala idea de que para actuar lo que menos importa es el medio por el cual que se llegue al público. Da lo mismo si es una cámara, un micrófono o un salón lleno de gente. Craso error como diría una amiga mía.
Además que también existe el prejuicio de los “puristas” que ven al cine y la televisión como medios de segunda clase, sobre todo en lo que se refiere a la expresión artística. Algo que en verdad me molesta. Hay buen o mal cine, buena o mala televisión y buen o mal teatro. Y también hay buenos actores de teatro que son pésimos en el cine y viceversa.
Cada uno de los medios tiene una forma diferente de llegar al espectador. Por eso la manera de trabajar para lograr un personaje es diferente, el tiempo de preparación es totalmente diferente, hasta el tamaño de manifestación de las “emociones”, de las acciones y de las cosas es diferente.
Por lo que para cada uno hay un entrenamiento especial, aunque las bases sean las mismas.
Otra de las preguntas que siempre me he hecho es ¿por qué un casting se puede convertir en una situación tan frustrante? No se supone que a un actor lo que más le gusta es actuar y tener un público. Y ahí, en el casting tiene todo; una escena, un personaje, un público y todo para él sólo. Pero no, ahí está ese actor sufriendo como si estuviera frente a un pelotón de fusilamiento.
A mí me ha tocado por buena o mala suerte estar en los dos lados de una audición. Y siempre es lo mismo, una gran cantidad de adrenalina, miedo y la famosa cara de no sé que voy a ser. No importa si los actores sean novatos o con una gran experiencia. Todos moviéndose de un lado a otro tratando de aprenderse el texto, cuando lo que menos importa en la mayoría de los casos es si se saben el texto de memoria.
Es por eso que he desarrollado este taller, teórico-práctico, dividido en dos niveles: Principiantes y Avanzados.
PrincipiantesEl nivel de Principiantes es para todos aquellos que sin haber tenido una educación “formal” de actuación, quieren empezar a entrenarse en la búsqueda de una realización personal y artística dentro del cine o la televisión.
En esta etapa del taller lo participantes encontrarán, por medio de los ejercicios físicos y técnicos, las improvisaciones, el desarrollo de escenas, la preparación de personajes, el acercamiento al trabajo de autores, directores y actores, y sobre todo a la comprensión de las bases técnicas y artísticas, las herramientas básicas que se requieren para poder trabajar frente a una cámara.
Las bases técnicas en las que sustentaremos el trabajo serán las de Stanislavki (sobretodo en su segundo período), las de Stella Adler, Strasberg, Gabrielle Roth y el eneagrama entre otras.
Temas a tratar
• ¿Quién soy?
o Al ser yo la base de todo personaje, lo primero que tengo que saber es quién soy en realidad, cómo me veo a mi mismo y cómo me ven los otros.
• Los tipos de actores. “El compromiso”.
o Que una persona sea “frívola” o narcisista en la vida, no importa. Lo más que puede pasar es que sea frívola o narcisista. Pero que un actor sea frívolo en el escenario, mata todas las posibilidades de creación y si es narcisista lo que siempre nos vamos a encontrar es al mismo tipo dizque haciendo de otra cosa.
La única diferencia entre los actores que crean personajes y los otros, es el tipo de compromiso con el trabajo y la actuación, que cada uno tiene. Ninguno es mejor que él otro, solo cambian las metas.
• Creando un espacio seguro.
o Caminar entre espinas duele. Por eso hay que saber que el espacio en donde se trabaja es un lugar seguro y fuera de toda crítica y justificación.
• El miedo al rechazo.
o ¿Cómo poder mostrar lo que siento y pienso, si lo que más me preocupa es lo que piensen de mí?
• La confianza.
o Así como en los grupos de autoayuda la unión y la identificación de que nos soy el único con ese tipo de problemas, lleva a la mejoría. La solidaridad y la identificación del grupo lleva a la superación de cada uno de los participantes.
• Cuerpo en control = actor seguro.
o Una de las herramientas más importantes en este trabajo es nuestro cuerpo. Por eso un punto importante es saber manejarlo y tenerlo en las condiciones óptimas para movernos con toda la gracia o dificultad que el personaje requiera. Lo peor que nos podemos encontrar es un actor torpe en escena. Y dije actor no personaje.
• La disciplina. El equipo como uno solo.
o Una de las grandes cosas que podemos aprender de la disciplina militar es su gran trabajo en equipo. Todos saben dónde están y a que se dedican como si fuera una sola pieza la que está moviendo.
• La observación.
o Es una de los instrumentos más preciados para un actor. Comúnmente está oxida, nos manejamos por la vida mecánicamente. Por lo que hay que aceitarla. Saber dónde y cómo se encuentra cada emoción, cada parte del personaje, cada palabra del texto y cada objeto en la escena. Nos permitirá resolver cualquier situación de la manera más lógica y creíble posible.
• La imaginación.
o Un artista vive de ella y por ella.
• La inseguridad. Fuente inagotable de energía creativa.
o Si enfocáramos todo esa energía en resolver los problemas de una escena. Esta estaría llena de vida y creatividad. Además si fuéramos unas personas seguras, quizás no nos dedicaríamos a esta carrera de locos.
• Tirándose sin red de protección.
o Lo más difícil es dar el primer paso, lo demás va a ir sucediendo como la fuerza de gravedad decida.
• La desinhibición.
o Desnudar un cuerpo es lo más fácil que hay, pero desnudar un ser, abrirse a todas las posibilidades de sentir, es un problema que debe ser resuelto antes de enfrentar una escena.
• Más vale que sobre y no que falte.
o En escena siempre es mejor hablar más fuerte, decir de más, moverse de más, sentir de más que de menos. Para eso está el director.
• La respuesta del personaje ante todo es “Sí”.
o Si pensamos que nuestro personaje no haría tal cosa, no sentiría esa otra, no se movería de ahí, quizás acabemos haciendo a un muerto.
• Mientras más sea lo que esté en riesgo mayor posibilidad de hacer algo interesante.
o Mientras más grande sea la apuesta que tiene que hacer nuestro personaje para resolver el problema en que está metido, más grandes serán las posibilidades de realizar algo digno de verse.
• Yo, como la esencia de todo personaje.
o No se puede negar que a pesar de que el texto, las emociones, el vestuario, y la situación sean de otro, la realidad es que soy yo el que las está llevando a cabo.
• La respuesta lógica como motor de la acción.
o Lo menos que se puede pedir en una escena es que los personajes a pesar de lo incoherente que pueda ser la situación, respondan de forma lógica. Es el primer paso a la verdad en escena.
• Los tres niveles en la creación de personajes: “Yo en situación”. “Yo en la situación de él”. “Él en situación”.
o Una vez conocí a un actor con cierta fama, que estaba realmente feliz porque nadie lo había reconocido en escena.
• Creación de personajes: Adentro vs Afuera. Por qué no mejor: Adentro + afuera + adentro o viceversa.
o La pelea constante entre las diferentes escuelas. Como confrontar y entrar en un personaje dependerá de que quién soy y quién es él.
• La escena un problema a resolver.
o Enfrentar una escena con la idea que de que todo se va a ir desarrollando de acuerdo a lo escrito, es una verdadera pérdida de tiempo. La primer pregunta que nos debemos hacer es ¿Cómo salgo de este problema?
• Los juguetes en escena.
o Todos tenemos algún objeto que nos identifica. Un objeto que nos lleva al pasado y otro que nos hace soñar.
• El error. Base de la creación.
o Por un lado si los personajes fueran perfectos, no valdría la pena interpretarlos. Por otro mientras más me equivoco más me acerco al triunfo.
• El Eneagrama una herramienta para la creación de personajes.
o Los tipos que los sufís identificaron, nos son de gran ayuda para entender el por qué de las acciones y reacciones de nuestros personajes.
• Mapa de las emociones de Gabrielle Roth
o Como identificar en dónde se esconde el miedo. Por qué una gran alegría hace que brinque nuestro corazón. Habrá que irlo descubriendo pero gracias a esta guía el camino es más fácil y seguro.
• La escala tonal.
o Las emociones provocan diferentes cantidades y calidades de energía.
• Manejo de herramientas.
o Los personajes dedican su vida a diferentes labores y son expertos en ellas. ¿Por qué los actores dan por hecho que manejar un cuchillo de cocina es igual a un bisturí?
• ¿Cómo mantener un personaje? La esencia del personaje.
o Esa pregunta la tendrá que ir contestando cada uno a su manera. Pero hay elementos que nos ayudan a encontrar la respuesta.
• Comprender vs Entender.
o El entendimiento es un proceso intelectual, pero en la comprensión se involucran además de ese otros niveles de conciencia. Nadie podría explicarme realmente a qué es un bistec, a qué sabe, que sensaciones o emociones les puede producir, si no lo ha probado, cortado, olido, comido, tocado, visto, pesado y hasta defecado.
• Mientras más sé, más oportunidades tengo.
o Una vez me dijo un maestro, que una de las principales funciones de los libros era la de evitarnos recorrer todo ese camino que el autor ya había caminado. Y no solo los libros sino también las películas, obras de teatro y demás materiales que están a la mano. Todos están para servirnos como guías en este azaroso camino.
Durante los seis meses que dura está parte del taller, la mayoría de los ejercicios serán frente a la cámara, por lo que al final los participantes contarán con un video con el que podrán ver y estudiar su trabajo.
Avanzados
Este nivel es para todos aquellos actores o estudiantes de actuación, que quieren conocer las técnicas y herramientas para trabajar frente a una cámara.
A diferencia de nivel de principiantes, el objetivo es retomar y pulir todo aquello que se ha venido haciendo durante los estudios o trabajos previos y enfocar todos los ejercicios y construcción de personajes al trabajo ante cámara a un nivel profesional y dentro del estilo que más gusta en el cine, la actuación naturalista.
A nivel profesional me refiero a tener todas las herramientas que les permitan competir primero en la obtención de un papel y segundo a las necesarias durante el desarrollo de la filmación o grabación.
Por eso uno de los puntos principales en esta fase del taller será, además del recorrido por toda la técnica que se ve en el nivel de principiantes, el trabajo específico para estar preparados para el casting. Para lo que utilizaremos las técnicas y recomendaciones de Schurtlef.
Estoy seguro que muy pocos han oído hablar de él. En pocas palabras es un director de castings con más de treinta años de experiencia en producciones de cine, teatro y televisión en Nueva York. Este maestro se dio a la tarea de estudiar y desarrollar una técnica que permite al actor presentarse ante una audición con la seguridad de estar haciendo las cosas bien.
Otro de los puntos principales será la realización de al menos un par de cortos, que den a los participantes una visión activa de lo que es una filmación y sirvan como demo reel para ser presentados a agencias, productores y directores.
Temas a tratar
Además de el perfeccionamiento de los temas que se tocan en el nivel de principiantes. Los temas son:
• Preparándose para un casting:
o ¿Qué hacer antes de entrar a un casting?. ¿Cómo debo ir vestido?, ¿De qué se trata la escena que voy a representar? ¿Cuánto tiempo tengo?
• Reconociendo mis posibilidades.
o El único factor de realidad es que los directores y productores buscan a alguien y podrías ser tú. Por lo tanto hay que hacer castings y castings hasta que te encuentren.
• El humor algo que se olvida.
o Los personajes pueden ser serios o malhumorados, pero no el actor. Una sonrisa habré muchas puertas.
• ¿Qué puedo y qué no puedo hacer?
o Hay muchas cosas que debes hacer y algunas que evitar en el momento de hacer un casting. Dos de las menos recomendables son: Quedarse pasmado y la otra es confrontar o insultar a los auditores, tan solo porque estás nervioso, no sabes que hacer y te hicieron perder el tiempo.
• Los 12 indicadores guías de Schurtlef.
o Esta guía nos lleva paso a paso por todo el camino hasta estar seguros y entrenados para hacer una audición.
• ¿Cómo hacer para que la aburrida realidad cotidiana pase a ser interesante?
o Todos los personajes que vamos a interpretar son parte de una ficción, por lo que por más real o natural que sea una interpretación hay que encontrar cuáles son esos detalles que lo hacen único y por los cuales hay una persona que está dispuesta a pagarte y habrá un público sentado viéndote.
• El corto como práctica profesional y demo reel.
o El trabajo ante una cámara, un equipo técnico y staffs nos dará una verdadera comprensión de todo lo que se ha venido trabajando.
¿Quién soy?
Mi nombre es Carlos Andrade Montemayor. Soy un director y productor de televisión y cine, con más de 20 años de experiencia. Además he dedicado una buena parte de mi vida a estudiar y trabajar como actor y escritor, en cada uno de los medios.
En este tiempo he trabajado y estudiado en México, Estados Unidos y España.
Encontrándome en este camino con personalidades de la talla de David Lynch, Jack Nicholson, Luis Valdés, Edward James Olmos, Héctor Mendoza, Stella Adler y Julio Castillo. Algunos como directores y otros como compañeros, pero sobre todo siempre como mis grandes maestros.
Mi paso por esta fascinante carrera me ha llevado a participar en una gran cantidad de proyectos. En televisión desde noticieros hasta realities shows, pasando por las series y telenovelas. En cine en largometrajes y cortos. En teatro desde obras de los clásicos hasta las comedias musicales.
Soy lo que se dice un “buscador” espero que al final se pueda decir que también fui un “encontrador”
